Bailar de adentro hacia afuera

El coreógrafo Fernando Hurtado adaptó entre movimientos ´Hansel y Gretel´, añadiendo escenas, situaciones y personajes a la conocida historia.
Hurtado es español y formó parte del colectivo de danza Momentum. LA PRENSA/Archivo. Hurtado es español y formó parte del colectivo de danza Momentum. LA PRENSA/Archivo.
Hurtado es español y formó parte del colectivo de danza Momentum. LA PRENSA/Archivo.

Fernando Hurtado saca una libreta llena de rayas que, a simple vista, no se entienden. De palabras sueltas, girones, tachones. Pasa las páginas tan rápidamente que los garabatos comienzan a moverse, como si estuvieran bailando.

En esa libreta, el coreógrafo muestra cómo hizo adaptaciones de cuentos, fábulas y leyendas para el Ballet Nacional del Perú, otra adaptación para El Salvador y ahora para Panamá, haciendo de Hansel y Gretel, la conocida historia de los hermanos Grimm, una pieza adaptada a la danza contemporánea, inédita para el público panameño y que se proyectará del 15 al 18 de agosto en el Teatro Nacional.

¿Hay un método ´Fernando Hurtado´ que le aportas a ´Hansel y Gretel´?

Mucho movimiento en escena, sobre todo. Que todo el mundo esté moviéndose todo el rato. Si me planteó una dramaturgia, pienso desde el principio hasta el final cómo se desenvuelve el espectáculo. Busco oscilaciones y fusiono técnicas, para que el público no deje de ver lo que pasa.

¿Cómo te imaginas esa dramaturgia?

Como un espectáculo donde cada escena puede durar tres o cuatro minutos, e intentamos impregnarla del personaje. Me imagino: ´¿qué recorrido tendrá este espectáculo?´, y hago un boceto general y, en medio de cada escena, procuro el movimiento. Al final del día, es una danza donde queremos que participe mucha gente y que a los niños les sirva de algo. Es una coreografía que van aprendiendo desde la visión que tiene Fernando Hurtado del movimiento.

En este caso, primero tengo la música y, a partir de allí, la pienso para la escena y la energía de la escena que tengo en la cabeza. Una vez que tengo la música, empiezo a contarla y, sobre ella, voy metiendo la coreografía.

¿Y en otros casos?

Es casi al contrario. Cuando tengo la escena, sé que encontraré la música. Pero necesito un grupo de gente bailando con ciertas sensaciones y emociones. Creo la coreografía con el motivo más energético, y voy probando la música.

¿Qué prima en ti: la técnica o la emoción?

La emoción. Hay una frase que me gusta mucho, que dice: ´la técnica se usa cuando ya no tienes nada que decir´, pero mientras tengas cosas que decir, la emoción es lo primero. Muchas veces, se entiende que si se baila con mucha emoción, no tienes técnica. Al final el público, ¿qué es lo que quiere? Es sentir. El público está deseando sentir cosas, más que verlas. Si quieres ir a un sitio es para emocionarte, llorar, sentir esperanzas, que cuando salgas de verlo haya pasado algo en tu interior. La técnica es solamente eso. Hay muchos que la tienen, pero no hay muchos que te emocionen en el escenario.

¿Cuánto ves de esos bailarines?

Hay dos tipos de bailarines: los que bailan de adentro hacia afuera y viceversa. Hay quienes son más energéticos y que proyectan, los que son los menos, y otros más intimistas que prefieren conservar su energía. Para ser artista hay que ser generoso y dar continuamente, y anular una barrera entre el artista y el público. Procuro ver cosas que serán interesantes y que intuyo que me van a sorprender.

¿Qué tipo de danza es la que más te gusta ver?

Estoy acostumbrado a ver danza contemporánea y neoclásica, que están compuestas por sus temas, sus bailares y sus coreógrafos, quienes buscan otra cosa más que la técnica. La técnica solamente está al servicio de las emociones, no puede ser el fin. No sirve de nada. Siempre debe estar en medio de lo que se quiera contar y que no se vea. Lo interesante es que algo parezca difícil, sin que se note. Todo lo demás es acrobacia.

¿Qué tienes en mente para tu nueva coreografía?

Estaremos haciendo un espectáculo de circo y danza. Es algo que está llamando mucho la atención. Es para todo el público, y que nos puede abrir las puertas de lugares más asequibles que solo un teatro convencional. Necesitamos acaparar más público.

¿Cómo la imaginas?

La dramaturgia sería un rescate del circo del siglo XIX. La mujer barbuda, el hombre bala; cuando se veía como un lugar de fenómenos; modernizarlo y darle otra estética. No tenemos que dar a la gente lo que le gusta, porque la mal acostumbramos; es dar espectáculos que rompan la visión de las cosas y hagan crecer.

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